Satanás (2008)

Buen filme colombiano, con un guión un tanto flojo y morbo en exceso, pero con una excelente actuación del mexicano Damián Alcázar.

Título: Satanás

Año: 2008

País: Colombia

Director: Andrés Baiz

Reparto: Damián Alcázar, Marcela Mar, Blas Jaramillo, Patricia Castañeda

Satanás está basada en el libro de Mario Mendoza, que cuenta varias historias que se van entrelazando hasta culminar en los eventos de la vida real conocidos como la Masacre de Pozzetto, los cuáles ocurrieron en Bogotá Colombia en 1986.

Los niveles de producción son muy buenos, así como el cuidado en los detalles y movimientos de cámara, lo que nos da la sensación de una buena película y no un producto improvisado o mal hecho, típico del cine latinoamericano de hace unos años.

El principal problema de Satanás es que narra tres historias, pero sólo una tiene sentido. Vemos la historia de Eliseo, el ex-soldado que vive con su madre, la del padre Ernesto y sus tentaciones, y la de Paola y su "nuevo trabajo". De estas tres sólo la de Eliseo tiene fundamento. Las otras dos son interesantes, pero no llevan a ningún lado y sólo sirven para escandalizar sin motivo. La lujuria, el crimen, la violación, el asesinato, y demás eventos violentos y sensacionalistas se suceden uno tras otro en estas historias, todo para que al final el hilo que las comunica con la historia principal sea muy débil, y nos quede la sensación de un truco provocador para causar morbo y mantenernos entretenidos antes del final.

Al director se le olvidó que cada historia tiene que tener su porqué, o su moraleja, o un principio y fin lógicos. De lo contrario, nos sentimos engañados. Quizá la historia del padre resulta trascendente al final, pero de manera muy casual.

El trabajo actoral es muy bueno, sobre todo la caracterización de Damián Alcázar, que no sólo hace un buen papel, sino que deja atrás su acento mexicano para adoptar el colombiano (ignoro si lo hace bien, ya que quienes pueden juzgar son los colombianos). El resto del elenco está muy bien, sobre todo los protagonistas Marcela Mar y Blas Jaramillo.

Satanás resulta después de todo buena película, pero deja un pequeño mal sabor de boca por lo triste del desenlace, pero sobre todo, por el recurso barato de escenas y temas morbosos y por las historias que al final resultaron más relleno que sustancia.

Lujuria y Traición (2007)

El gran retorno de Ang Lee al cine de su tierra natal es una apasionante película, cuyo único inconveniente es que la trama no pueda resultar atractiva para todos los gustos.

Título: Lujuria y Traición (Se, Jie)

Año: 2007

País: Taiwan

Director: Ang Lee

Reparto: Tony Leung , Wei Tang, Joan Chen, Lee-Hom Wang, Chung Hua Tou

En el Shangai ocupado por los japoneses durante la Segunda Guerra Mundial, un grupo de jóvenes de la resistencia decide asesinar al señor Yee, un importante oficial aliado a los invasores. Para lograr esto tendrán que infiltrarse en su círculo, y sin quererlo, Wong Chia Chi tendrá que convertirse en su amante.

Aunque el tema no es nuevo (esta situación se toca en Días de Pasión y La Lista Negra), la forma en que Ang Lee lo narra y lo maneja es excelente. En realidad, debajo de la superficie, esta es una historia, como lo dice su título, de lujuria y pasión. Es una historia del amor que surge donde menos te lo esperas y que no decides cuándo ni cómo sentirlo.

Los actores dicen mucho con la mirada y las actitudes, más que con las palabras. Esta es la base que logra que la película sobresalga de las demás de su género. La cinematografía y los ángulos de la cámara, el vestuario y el maquillaje, todos están a las ordenes de la visión de Ang Lee. No cabe duda de que es un maestro.

El único "pero" es que la historia, al no ser tan original, puede resultar un poco tediosa. La trama por momentos se alarga demasiado, debido al estilo tan lento propio del cine asiático.

Mucho se habló de lo fuertes que resultan las escenas sexuales. Y sí, se llega a ver un poco más de lo que se acostumbra en el cine comercial, pero están bien hechas y no son de mal gusto.

Muy recomendable para quienes gustan del cine asiático, para los fans de Ang Lee, y para quienes gustan de historias de la Segunda Guerra Mundial y ya están cansados de ver a británicos y estadounidenses luchando contra los nazis.

La Otra Reina (2008)

Película con excelentes niveles de producción pero que se toma demasiadas libertades históricas y nunca adquiere un rumbo definitivo, quedando en un drama medio interesante y nada más.

Título: La Otra Reina (The Other Boleyn Girl)

Año: 2008

País: Gran Bretaña

Director: Justin Chadwick

Reparto: Natalie Portman, Scarlett Johansson, Eric Bana, Jim Sturgess, Mark Rylance, Kristin Scott Thomas, David Morrissey, Ana Torrent

Basada en la novela del mismo nombre escrita por Philippa Gregory La Otra Reina narra los eventos ocurridos en la corte del Rey de Inglaterra Enrique VIII cuando conoce a las hermanas Ana y María Bolena, y que a la larga llevarían a la separación de Inglaterra de la Iglesia Católica y al nacimiento de la famosa reina Isabel.

Lo más rescatable de la película son los bellísimos paisajes y las majestuosas tomas de bosques, mares y castillos; así como los fastuosos trajes y vestimentas propias de la corte del rey. Esto es, visualmente la película es impecable.

Sin embargo la narración sufre mucho para atrapar a la audiencia. En primer lugar sólo se centra en los intentos de Enrique por tener un heredero varón y a la relación del rey con las hermanas Bolena, olvidando todas las demás situaciones que rodeaban a la corte. Quizá esa era la intención de la novela: dejar de lado todo para crear una historia de seducción o de intriga. Pero la película no es ni de intriga, ni seductora, ni erótica, ni sensual, y sólo se limita a relatar los hechos tal cual se van sucediendo. De ahí que la trama no resulte interesante sino hasta ya pasada una hora, cuando Ana regresa de Francia y comienza la verdadera intriga por quedarse con los favores del rey.

Para colmo de males, se toma enormes libertades históricas y simplifica al máximo hechos ocurridos durante años, como si sucediesen en cuestión de meses o semanas. Por ejemplo, hace ver a Ana Bolena como una reina que no hizo nada más que seducir a Enrique VIII, cuando en la realidad es recordada como una de las mejores reinas consortes que haya tenido Inglaterra. O hace ver a María Bolena como una pobre víctima inocente, cuando en realidad era considerada una mujer "de cascos ligeros".

Estas situaciones hacen que los actores se vean acartonados y sin oportunidad de profundizar en sus personajes. Sólo Natalie Portman tiene espacio de lucimiento, ya que la trama se presta para ello. Eric Bana y Scarlett Johansson son sólo dos siluetas, que bien pudieron ser otros dos actores y no hubiese habido diferencia. Mi único gusto fue ver a Ana Torrent (la protagonista de Tesis) en el papel de la reina Catalina de Aragón.

Careciendo del suspenso, fuerza y veracidad histórica de Elizabeth, por ejemplo, o de la pasión e intriga de la serie para TV The Tudors, La Otra Reina sólo es un vano intento de representar una época importante en la historia de Inglaterra.

Fragmentos del Destino (El Aire que Respiro) (2007)

Pretenciosa película que sigue a la larga lista de películas con historias entrelazadas, que a pesar de actuaciones excelentes y un reparto multiestelar, se vuelve completamente ridícula.

Título: Fragmentos del Destino (The Air I Breathe)

Año: 2007

País: Estados Unidos

Director: Jieho Lee

Reparto: Brendan Fraser, Forest Whitaker, Andy García, Kevin Bacon, Sarah Michelle Gellar, Emile Hirsch, Julie Delpy

El Aire que Respiro se supone que entrelaza cuatro historias que giran alrededor de 4 emociones: Felicidad, Placer, Dolor y Amor. Un tímido corredor de bolsa, un cobrador que puede ver el futuro, un despiadado mafioso, una joven cantante y un medico enamorado de la esposa de su mejor amigo son los protagonistas.

De entrada, la idea de historias entrelazadas ya está muy gastada, desde los trabajos de Robert Altman, como Short Cuts, pasando por González Iñarritú y terminando con la ganadora del Oscar Alto Impacto. Es con esta última con la que El Aire que Respiro parece tener más relación, pero mientras aquella tenía un mensaje social que transmitir, esta última no transmite nada.

Una lástima porque tiene un cast extraordinario y excelentes actuaciones. En particular Whitaker, Fraser y Andy García se lucen, pero los diálogos y situaciones en que se ven envueltos van poco a poco rayando en lo ridículo.

Parecería que la intención del director es mostrarnos que estos cuatro sentimientos se pueden encontrar en circunstancias poco comunes. Que lo que nosotros entendemos por felicidad no lo es para todos, y así con las demás emociones. De esta manera, en la primera historia la felicidad se encuentra en una situación que todo mundo catalogaría de mala. Después, pasa lo mismo con el placer. Pero en la tercera el dolor es dolor como todos lo entendemos, y en la cuarta el amor es amor. Entonces ahí se pierde el concepto original y ya no sabemos de que va todo. Pasa de concepto interesante a recurso barato.

Para colmo, todos los protagonistas de las historias son unos perdedores con una suerte de perros. Cuando parece que no les puede ir más mal, algo les pasa. Las historias pierden sentido conforme avanzan, y los lazos se van haciendo improbables e innecesarios. Al terminar toda la historia pierde credibilidad de manera vergonzosa.

Por ejemplo: El personaje de Brendan Fraser puede ver el futuro. Un detalle curioso e interesante. Cuando termina su historia, ésta capacidad no le sirve para absolutamente nada. El tipo pudo haber sido un matón normal y hubiese sido el mismo cuento. Y el personaje de Andy García, un tipo violento, jefe de un grupo de matones, tiene en su poder las vidas de Brendan y de Sarah, quienes no pueden escapar de sus garras. Excepto en el final de la película, cuando Sarah sale por la puerta principal de un hospital y hasta se da el lujo de platicar un rato antes de subir a su auto. Patético.

En fin, que ni siquiera el "final feliz" de la película puede salvarla del desastre, ya que se basa en otro evento completamente inverosímil. No les cuento por si quieren verla, ya que después de todo son buenas las actuaciones de los involucrados, y quizá sus fans se animan si no tienen nada que hacer cuando la pasen en canal 5 dentro de 3 años. Los demás, absténganse.

Párpados Azules (2007)

Buena película, pero con un ritmo lento y un tema melancólico que difícilmente atrapará a quienes no sean cinéfilos.

Título: Párpados Azules

Año: 2007

País: México

Director: Ernesto Contreras

Reparto: Cecilia Suárez, Enrique Arreola, Tiaré Scanda, Ana Ofelia Murguía

Marina trabaja en una fabrica de uniformes. Un día gana un viaje de 10 días a la playa para dos personas. Como no tiene con quien ir, decide invitar a un desconocido, quien afirma conocerla de sus tiempos de secundaria.

Párpados Azules tiene una excelente producción y extraordinarias actuaciones. Cecilia Suárez y Enrique Arreola interpretan de maravilla a aquellos individuos que viven en la indecisión perpetua, y que presentan muchos rasgos propios de muchos mexicanos. La historia se desarrolla y termina correctamente.

Sin embargo, no porque estés narrando la vida de dos personas patéticas y que viven del tedio tu filme también tiene que ser patético y tedioso. Párpados Azules está plagada de escenas demasiado lentas. Aún cuando ya sabemos que los protagonistas son así, no tenemos porque sufrirlos todo el tiempo.

Pienso en la película Mejor Imposible y en la novela El Diablo Guardián como dos ejemplos de historias donde los personajes son antisociales y patéticos, pero la trama y el ritmo no lo son, por el contrario, son graciosas e interesantes. Párpados Azules cae en su propia trampa y por momentos nos llena de tedio. Una lástima, porque también tiene momentos extraordinarios.

De tal manera que, salvo para quienes gustamos de todo tipo de cine, fans del cine de arte de los 70?s o para quienes gustan de cine poco comercial, para el resto del público la película será aburrida. No tiene nada de malo hacer cine de arte, pero también necesitamos cine que lleve gente a las salas, no sólo que gane premios.

Llamando a un Ángel (2008)

Llamando un Ángel sufre de una de las publicidades más engañosas que yo recuerde en muchos años, y en consecuencia, el público que la vio seguramente no fue el público que pudo haberla apreciado.

Título: Llamando a un Ángel

Año: 2008

País: México

Director: Rodolfo Guzmán, Héctor Rodríguez, Pancho Rodríguez

Reparto: : Mónica Dionne, Eduardo España, Luis Felipe Tovar , Julio Bracho, Alberto Estrella, Julio Cesar Fido, Patricia Llaca, Manuel Ojeda, Sherlyn

Se trata de 3 historias (¿dónde he oído esto?) que se entrelazan debido a una llamada telefónica (me suena, me suena). Los tres protagonistas se llaman Ángel, y de ahí ya se imaginarán por donde va el asunto.

Como decía, el principal problema es que Llamando a un Ángel tiene un póster con unas caricaturas muy curiosas de sus protagonistas, sobresaliendo la de Luis Felipe Tovar portando un arma y una cámara, el resto rodeándolo y haciendo caras. El cartel es chusco, y grita que se trata de una comedia de enredos, o por lo menos yo en lo particular eso es lo que esperaba. Se imaginarán mi decepción cuando la película empezó, y a los 15 minutos el único en pantalla era Julio Bracho, y después la cosa se pone bien dramática. ¿Y los enredos?¿Y la risa?.

Ya encanchados, Llamando a un Ángel no es una mala película. Pero ¿otra película con tres historias?. ¿Acaso los cineastas mexicanos sólo saben hacer cortometrajes y no pueden hacer una buena historia de más de una hora?.

Después de todo las historias no son malas, aunque tampoco muy buenas. Están bien hechas, bien contadas y bien actuadas. Sobresale la primera, donde Bracho y Sherilyn dicen mucho con los gestos y la mirada. Patricia Llaca y Luis Felipe Tovar se lucen en la última historia, la que sí está un poco chistosa, y la historia del medio resulta medio sosa e intrascendente.

Creo que con la calidad de producción de los implicados, contando con Yordi Rosado y Eduardo España en la producción, y con ese reparto, pudieron haber hecho una estupenda comedia de enredos (de haber querido), o bien pudieron haber elegido una mejor forma de publicitarla. Insisto, el poster, ya visto en perspectiva, parece un engaño, un gancho para llevarnos al cine, y no una honesta forma de publicidad.

Lástima, porque Llamando a un Angel no está tan mal para pasar el rato.

Cometas en el Cielo (2007)

Una película por momentos convencional, pero que logra conmovernos con una extraordinaria historia y estupendas actuaciones.

Título: Cometas en el Cielo (Kite Runner)

Año: 2007

País: Estados Unidos

Director: Marc Foster

Reparto: Khalid Abballa, Homayoun Ershadi, Shaun Toub, Zekeria Ebrahimi, Ahmad Khan Mahmidzada

Basada en la novela de Khaled Hosseini, Cometas en el Cielo nos narra la historia de Amir y Hassan, dos amigos que vivieron su infancia en Kabul, Afganistán, antes de la invasión rusa. Un trágico evento los distanciará, y la misma invasión hará que Amir huya a los Estados Unidos. Ya adulto, Amir tendrá que regresar a un Kabul sometido por el régimen Talibán para encontrar la paz que perdió en su niñez.

Cometas en el Cielo es una película plagada de momentos emocionantes y conmovedores, principalmente la competencia de volar cometas que da nombre a la historia, y llevados de la mano por las estupendas actuaciones de sus protagonistas. En particular sobresale el pequeño Ahmad Khan Mahmidzada, como Hassan, quién no sólo es un personaje hermoso, sino que su presencia llena la pantalla de inocencia y ternura. También Homayoun Ershadi, como Baba, el padre de Amir, tiene una participación sobresaliente.

Como se imaginarán por la situación histórica mencionada, la película también tiene momentos tristes e impactantes, por lo que Cometas en el Cielo no es una película fácil para quienes son sensibles ante las injusticias de la guerra, en particular el abuso a los niños.

Si tienen el corazón para aguantar, Cometas en el Cielo contiene un gran mensaje de amistad, honor y redención. A mi en particular me gustó y conmovió mucho, a pesar de sus pequeñas fallas.

Desapareció una Noche (2007)

Un muy buen debut de Ben Affleck como director, Desapareció una Noche es un drama impactante y provocativo disfrazado de thriller policiaco.

Título: Desapareció una Noche (Gone Baby Gone)

Año: 2007

País: Estados Unidos

Director: Ben Affleck

Reparto: Casey Affleck, Michelle Monaghan, Morgan Freeman, Ed Harris

Basada en una novela de David Lehane (autor de Río Místico), en Desapareció una Noche Patrick y Angie son una joven pareja que se dedica a encontrar personas perdidas. En contra de su mejor juicio deciden aceptar el caso de buscar a Amanda, una pequeña niña que ha sido secuestrada. Esta búsqueda cambiará para siempre sus vidas.

Fue un acierto de Affleck llevar esta historia a la pantalla, porque independientemente de lo que uno sienta hacia la película, es un hecho que te siembra muchas dudas sobre el bienestar de los niños, y lo que se puede o no se puede hacer por ellos. El manejo de la trama y el suspenso están muy bien llevados, y de verdad nos interesamos por lo que está pasando.

La ambientación es correcta, y aunque la película tiene algunos aspectos donde se nota la novatez de su director, estos los compensa con mucha pasión por el material, y por varias escenas donde no tiene miedo de atreverse a experimentar con los ángulos y los movimientos de cámara en beneficio de la trama y el suspenso.

Casey, hermano de Ben, sobresale como el joven pero entusiasta detective. Ed Harris y Morgan Freeman, para variar, resultan un gran soporte y la intensidad de sus actuaciones ayudan mucho a hacer verosímiles las situaciones y planteamientos de sus personajes.

Un drama muy bien llevado, con una trama inteligente, pero sobre todo una reflexión sobre la situación de los niños en la sociedad de nuestros días. A menos que sean muy sensibles al tema, que seguramente les impactará, no se la pierdan.

El Llanto de la Mariposa (2007)

Película muy interesante y emotiva que demuestra una vez más lo que es capaz el espíritu del ser humano, pero que no deja de ser triste al presenciar una tragedia tan grande.

Título: El Llanto de la Mariposa (Le Scaphandre et le papillon)

Año: 2007

País: Francia

Director: Julian Schnabel

Reparto: Mathieu Amalric, Emmanuelle Seigner, Marie-Josée Croze, Anne Consigny, Max Von Sydow

El Llanto de la Mariposa en realidad se llama La Escafandra y la Mariposa, y se basa en el libro del mismo nombre escrito por Jean-Dominique Bauby. Bauby era editor de la revista Elle cuando en 1995 sufrió un ataque masivo. En el hospital lograron salvarle la vida, pero terminó sufriendo de lo que llaman el Síndrome de Cautiverio, un mal en el que tu cerebro sigue funcionando de manera normal, pero tu cuerpo está totalmente paralizado. Jean-Dominique sólo podía mover el ojo izquierdo, y eso le permitió, con la ayuda de terapeutas, escribir un libro sobre su experiencia, el cual fue publicado en 1997.

La historia de Bauby es trágica, pero el hecho de escribir un libro al respecto resulta toda una proeza. Julian Schnabel (director de la aclamada Antes que Anochezca), mostrando una gran sensibilidad, se las arregla para meternos en el cuerpo y alma de Bauby, con un extraordinario manejo de la cámara, de las imágenes y del tiempo, haciendo de El Llanto de la Mariposa una hermosa película.

El único pero es que se trata de una historia muy triste, una experiencia difícil y traumática, por lo que el sabor de boca a lo largo de la película no es del todo agradable. Al final supongo que la intención, tanto del libro como de la película, es que valoremos la salud y lo que podemos hacer con nuestro cuerpo hoy que todavía gozamos de ellos. Yo sufrí mucho, sobre todo al principio, pero esto sólo habla del extraordinario trabajo de los actores y del director.

El elenco hace un trabajo bastante bueno, sobresaliendo obviamente Mathieu Amalric como Jean-Dominique Bauby, haciendo una excelente caracterización. Parecería muy sencillo sólo estar ahí y no moverse, pero se requiere de mucha habilidad para expresar sentimientos en esas condiciones.

Una película muy hermosa y triste, muy recomendable por su trabajo, pero sí hay que estar de humor para una experiencia tan impactante.

Goya y la Inquisición (2006)

Película sin pies ni cabeza, que desperdicia un gran elenco y decente ambientación.

Título: Goya y la Inquisición (Goya's Ghosts)

Año: 2006

País: Estados Unidos

Director: Milos Forman

Reparto: Javier Bardem, Natalie Portman, Stellan Skarsgård, Randy Quaid, Michael Lonsdale

La Santa Inquisición española ha aprehendido a Inés Bilbatua, una de las modelos del famoso pintor del Rey, Francisco Goya. El padre de la chica insiste al pintor para que le ayude a entrevistarse con el hermano Lorenzo, monje de la Inquisición a quien Goya está haciendo un retrato. De esta manera el pintor se verá envuelto en la tragedia de estos dos personajes.

Como decía, los protagonistas hacen un trabajo decente. Javier Bardem, a pesar de los problemas que tiene con el inglés, demuestra que es un extraordinario actor, y maneja muy bien los cambios que sufre su personaje. Natalie Portman está un poco exagerada, en particular por problemas con el maquillaje (sale con una dentadura más falsa que un billete de 13 pesos), pero también luce. Y Stellan Skarsgård hace un Goya muy humano y agradable (aunque quien sabe si sea históricamente correcto).

La ambientación y recreación de los tiempos de Goya es adecuada, aunque a leguas se nota que no contaba con un gran presupuesto. El ritmo es decente, y son agradables e interesantes las escenas en las que se ve la forma de trabajo del pintor.

El gran problema es la historia. Goya y la Inquisición no trata sobre la vida de Goya, él sólo es un personaje secundario. Tampoco trata sobre Lorenzo, el monje que interpreta Bardem, ni sobre Inés, ni sobre España y la intervención francesa. No trata de nada. Todo se toca, pero nada se profundiza. La anécdota de Inés y el monje que conocieron y fueron ayudados por el gran pintor español no alcanza para hacer un largometraje interesante. De manera que la película resulta aburrida, y esto provoca que los defectos se acentúen y las virtudes se minimicen.

Una verdadera lástima, porque los nombres involucrados, incluyendo al del director, prometían mucho. Sólo por si no tienen otra cosa que ver o para fans de los involucrados.

Cosas que Perdimos en el Camino (2007)

Excelente drama, que se mantiene a flote principalmente por la fuerza interpretativa de sus protagonistas.

Título: Cosas que Perdimos en el Camino (Things We Lost on The Fire)

Año: 2007

País: Estados Unidos

Director: Susanne Bier

Reparto: Halle Berry, Benicio Del Toro, David Duchovny, Alexis Llewellyn, Micah Berry, Alison Lohman, John Carroll Lynch

Tras el asesinato de su marido, Audrey (Berry) decide invitar al mejor amigo de este, un adicto a la cocaína (Del Toro), a vivir con ella y sus dos hijos. Esta convivencia cambiará la vida de todos y les ayudará a sobrellevar la trágica pérdida.

La historia me conmovió sobremanera. Yo creo que en particular porque en este momento de mi vida tengo un hijo, una esposa a la que adoro, tengo dos mejores amigos y familiares a quienes quiero mucho. Por lo tanto pude conectarme con el sufrimiento de los personajes de Cosas que Perdimos en el Camino.

El guión no es muy bueno. Comienza con eventos inconexos en el tiempo, muy al estilo de Guillermo Arriaga en Amores Perros y Babel. Sin embargo, después se ve obligado a volverse lineal para no confundir al espectador, pasando de drama complejo a drama convencional. Tan convencional, que el final no tiene un gran impacto, es plano.

Lo que rescata la película y la hace interesante son las actuaciones de Berry y Del Toro. Mucho se dice y se siente con las miradas, expresiones y gestos. En ese sentido la directora Bier logra grandes momentos donde las imágenes hablan más que las palabras.

Sin ser espectacular, Cosas que perdimos en el Camino resulta un drama conmovedor. Recomendable.

Petróleo Sangriento (2007)

Buena realización y extraordinaria actuación de Daniel Day Lewis, que no conmovió a todo el público debido al estilo tan peculiar de su director.

Título: Petróleo Sangriento (There Will Be Blood)

Año: 2007

País: Estados Unidos

Director: Paul Thomas Anderson

Reparto: Daniel Day Lewis, Paul Dano, Ciarán Hinds, Dillon Freasier, Kevin J. O?Connor

Petróleo Sangriento nos narra la travesía de Daniel Plainview para convertirse, a toda costa y contra todo, en un magnate del petróleo a principios del siglo XX. Esta ambición lo llevará a enfrentarse a la religión y a su propia paternidad.

Para empezar debo decir que, en lo personal, no me gusta el estilo de cine de Paul Thomas Anderson (director, entre otras, de Boogie Nights, Magnolia y Embiagrados de Amor, todas sobrevaloradas). Para muchos es un genio, pero yo no le veo sentido a muchas de sus escenas, largas y sin razón aparente, que hacen muy aburridas (para mi gusto, insisto) sus películas. Sin embargo debo reconocer que la historia de Daniel Plainview quedó como anillo al dedo para dicho estilo, ya que hay muchas cosas sobre la explotación del petróleo y la codicia que se pueden plasmar mejor en imágenes que con palabras. Para mi gusto Petróleo Sangriento sigue siendo un poco lenta, pero mucho menos aburrida que los otros trabajos del director.

De ahí en fuera, la película es impecable. Extraordinario uso de la cámara, excelente cinematografía y vestuarios, pero sobre todo grandes actuaciones y musicalización.

La música en todo momento sostiene el ritmo y sentido de la película, y en ocasiones complementa de forma impecable escenas largas y sin diálogos. Una muy buena selección.

Y no cabe duda de que todo el show es de Daniel Day Lewis. Por muy buena historia y trabajo, sin la actuación de Daniel la película sólo sería un drama con cierto interés. El trabajo llega a grandes alturas gracias a la increíble interpretación y creación del personaje de Daniel Plainview, desde la voz hasta las expresiones y la forma de caminar. Basta con ver a Daniel Day Lewis en la vida real, como una persona tímida y pacífica, para entender la magnitud de su transformación. Más que merecidos todos los reconocimientos recibidos, incluyendo el Oscar al Mejor Actor. El resto del reparto se comporta a la altura, pero sólo resultan comparsas de Mr. Day Lewis.

Para muchos Petróleo Sangriento es la mejor película de 2007. Yo la pondría detrás de Sin Lugar para los Débiles por el hecho de que esta segunda es un poquito más fácil de digerir. Petróleo Sangriento por momentos es muy lenta o reflexiva. Fuera de eso, es una gran película.

Aunque sobrevalorada, es sin duda un trabajo que ningún cinéfilo que se precie de serlo se debe perder. Punto.

Camino Salvaje (2007)

Interesante película, considerada por algunos una obra maestra y por otros un drama convencional, que tiene en la dirección del aclamado actor Sean Penn y en la actuación de su protagonista Emile Hirsch sus puntos más fuertes.

Título: Camino Salvaje (Into The Wild)

Año: 2007

País: Estados Unidos

Director: Sean Penn

Reparto: Emile Hirsch, Marcia Gay Harden, William Hurt, Jena Malone, Vince Vaughn, Catherine Keener, Hal Holbrook

Camino Salvaje nos presenta una reconstrucción de los hechos de la vida real que llevaron al joven Chris McCandless, un alumno ejemplar, a abandonar todas sus posesiones para irse a vivir a la tundra en Alaska.

Hay mucha pasión y buena voluntad en esta película, y un buen ojo por parte de Penn para presentarnos infinidad de escenas hermosas de todos los paisajes americanos. El manejo de la cámara y el modo de narrar la historia son efectivos. Los elogios y nominaciones que ha recibido son merecidos.

El reparto hace un trabajo ejemplar, en particular Hirsch, que nos demuestra que se está convirtiendo en una estrella a seguir en los próximos años. También disfruté mucho la breve pero emotiva participación del veterano Hal Holbrook (nominado al Oscar). A lo mejor no lo recuerdan de nombre, pero cuando vean su rostro sabrán que lo han visto en otras películas.

Para mi gusto hay dos problemas en Camino Salvaje. El primero, y este es de gusto personal, es que el estilo de la película es como de los 70?s. Esa onda de paisajes con música y la vida es bella y la onda hippie. Es cierto que el tema de la película es muy similar a lo que se vivió entonces, pero después de todo la aventura de McCandless sucedió en los 90?s. Simplemente, ese tipo de cine no me agrada, me aburre, y por momentos la película se vuelve tediosa, viendo al joven Chris una y otra vez en los bosques, ríos, lagos o carreteras.

La segunda razón, y esta de más peso, es que la historia de Chris McCandless de entrada suena inspiradora e interesante, pero después de reflexionarla un poco, resulta absurda, contradictoria y ya razonándolo, hasta inocente y sin chiste. McCandless resulta inspirador ya que rechaza las ataduras de la sociedad y las restricciones que da la vida moderna para realizarse como persona y ser humano. Pero el camino que escoge para hacerlo es tonto, por no decir suicida. Además, sus acciones son contradictorias en muchos sentidos: Deja atrás sus posesiones para vivir en el mundo salvaje, pero carga con un arma de fuego, inventada y hecha por el hombre moderno. Y así podríamos encontrar mil y un "peros" a su aventura. En general, hay muchas maneras de encontrar la verdad sin sacrificar la vida. Y sobre todo sin contradecir el hecho de que el hombre es un ser social, o lo que dictan la mayoría de las religiones, que estamos aquí para dar y recibir amor.

Esto nos hace pensar: ¿De verdad vale la pena contar la historia de McCandless?. El resultado de reflexionar al respecto deja un mal sabor de boca, que hecha a perder una experiencia que de entrada era muy interesante. Ahora entiendo porqué muchos la consideran como una de las mejores películas de 2007 y otros ni siquiera la mencionan.

Para mí, Camino Salvaje terminó decepcionándome, pero eso no le resta méritos a una estupenda realización.

La Vida en Rosa (2007)

Ahora reseño dos películas que, a la fecha, todavía están en la cartelera. Para variar, una buena y una mala. Esta es la buena.

Muy buena cinta biográfica sobre la vida de Edith Piaf, uno de los símbolos modernos de la música francesa, merecedora de todos los premios que ha recibido.

Título: La Vida en Rosa (La Môme)

Año: 2007

País: Estados Unidos

Director: Len Wiseman

Reparto: Bruce Willis, Timothy Olyphant, Justin Long, Maggie Q, Cliff Curtis, Kevin Smith

El título original La Môme se refiere al sobrenombre que le puso Louis Leplée cuando la descubrió, y que junto con Piaf, significa "Pequeño Gorrión", apodo con el que la cantante fue identificada durante toda su carrera. Para la distribución a nivel mundial, los productores de decidieron por el título de la que es, quizá, la más conocida de sus canciones. La película evoca los momentos más importantes y significativos de su vida, desde su origen humilde, la ceguera de su infancia, su descubrimiento en las calles de París, su éxito y sus vicios y carácter volátil.

La Vida en Rosa es un gran homenaje a una de las estrellas más famosas de Francia. Aún hoy en día, quienquiera que guste de la música ha oído el nombre de Edith Piaf, aunque no la ubique o sepa nada de ella, o ha escuchado alguna versión de "La vida en rosa". Jugando con el tiempo, con imágenes que se entrecruzan (en un momento Edith está en un sillón y al levantarse está en un escenario) y los flashbacks, la película transcurre con un buen ritmo y trata de alejarse de la cinematografía convencional y de la trama lineal, aunque por momentos hay escenas que duran demasiado y se hace cansado, sobre todo al final. Quizá con media hora menos el filme hubiese sido más agradable.

Aunque toca los momentos y situaciones más importantes de la vida de Piaf, siento que la película falla en mostrarnos lo trascendente que fue su carrera y el impacto tan grande que tuvo en la cultura y sociedad de su país. Quizá para el director es parte era obvia, pero de este lado del mundo no lo es.

Como todo trabajo biográfico, gran parte del éxito consiste en la interpretación, sobre todo tratándose de personajes que están frescos en la memoria de la gente. Yo nunca he visto ningún video de Edith Piaf, pero Marion Cotillard luce y suena como ella. De verdad es un trabajo de caracterización extraordinario, que bien le mereció el Oscar a la Mejor Actriz. De gran ayuda es el estupendo maquillaje, que transforma a la joven Cotillard en la madura y en la vieja Piaf, y que también ganó el Oscar.

Hermosa y sin desperdicio es la selección de temas que aparecen a todo lo largo de la película, y que la convierten en un deleite auditivo, aún para quienes no somos tan aficionados al tipo de balada que caracterizó a Edith Piaf.

Agradables son las participaciones en pequeños papeles de actores franceses reconocidos, como Depardieu y Seigner. Aunque breves, dan un gran soporte a la película.

Sin lugar a dudas La Vida en Rosa es una buena película y un merecido homenaje a una leyenda de la música. Francia se había tardado en hacerla, pero la espera valió la pena por tener un producto digno. No se la pierdan.

Valiente (2007)

Nuevamente comento dos películas el mismo día. Una buena y una mala. Esta es la buena

Con una impecable dirección de Neil Jordan y una estupenda actuación de Jodie Foster, Valiente es una película con una premisa impactante y prometedora, pero que termina como un buen drama únicamente.

Título: Valiente (The Brave One)

Año: 2007

País: Estados Unidos

Director: Neil Jordan

Reparto: Jodie Foster, Terrence Howard, Naveen Andrews, Mary Steenburgen

Erica Bain es una mujer feliz. Conduce un programa de radio donde habla sobre la cotidianidad de la ciudad de Nueva York y está a punto de casarse. Su vida se ve destrozada cuando unos sujetos la golpean y matan a su prometido. Intentando rehacer su vida, Erica recurre a la violencia como medio de escape y de venganza.

De entrada el tema y los cortos de la película parecen decirlo todo: Mujer feliz y realizada es golpeada, pierde a su novio, agarra un arma y se lanza a vengarlo. Muy a lo Charles Bronson en El Vengador Anónimo. Conforme avanza la película, parece que el asunto de la venganza se volverá una denuncia hacia los excesos de la sociedad, la impunidad de las grandes urbes y la ineficacia de los sistemas policíacos; pero en otros momentos regresamos al Vengador Anónimo y sus exageraciones sin fundamento. Parece que la película terminará con una fuerte reflexión, al estilo de Desapareció una Noche, sin embargo, poco a poco el asunto se torna en una especie de cacería y termina como un drama sobre dolor y amistad. Así de raro como suena.

Pero esto no le quita meritos a la película. Si bien se raja y no lleva el asunto de la venganza a sus últimas consecuencias, o lo hace de manera superficial, la historia tiene un buen final, redondo y un tanto inesperado, que en lo personal me pareció adecuado y satisfactorio de acuerdo a como se da la historia y la relación de los dos personajes principales.

Por otro lado, como decía, la visión de Neil Jordan, su manera de hilar las escenas y sus encuadres, hacen que las imágenes hablen más que las palabras. Y aún así, hay diálogos y monólogos bastante buenos también. Todo esto para hacer un filme de calidad que da gusto ver.

Jodie Foster está muy bien, para variar. Es clara y verosímil su transformación de mujer enamorada y feliz, a trastornada y desesperada. Terrence Howard no está tan bien como en otras ocasiones, pero no desmerece al lado de la Foster.

Valiente es un drama fuerte e impactante, que prometía una gran reflexión, y que aunque no termina como esperábamos, termina bien y resulta en una buena y recomendable película.

La Misma Luna (2007)

Después de una calurosa acogida en el Festival de Sundance del año pasado, por fin tuvo su estreno comercial esta sencilla pero agradable película. Al momento de escribir esto, La Misma Luna se ha convertido en la película hablada en español que más ha recaudado en su primer fin de semana en los Estados Unidos (2.6 millones de dólares), suficientes para ocupar uno de los primeros 10 lugares de la taquilla estadounidense.

Título: La Misma Luna

Año: 2007

País: México

Director: Patricia Riggen

Reparto: Kate del Castillo, Eugenio Derbez, Adrian Alonso, Maya Zapata, Carmen Salinas, America Ferrera

Cuando la abuela de Carlitos fallece, este decide ir a los Estados Unidos a reunirse con su madre, quién se fue de indocumentada a los Ángeles California.

La premisa es muy sencilla y el desarrollo no es muy complejo tampoco, sin embargo la historia resulta conmovedora, y mucho del sustento de la película está en lo agradable que es Adrian Alonso, y en la mancuerna cómica que hace junto a Eugenio Derbez. Aunque el tipo de filmación es convencional, hay varias escenas que están muy bien pensadas, y aunque caen en los clichés (los cuáles son imposibles de evitar en una historia como esta) resultan muy agradables.

No es de extrañarse que sea un hit en E.U. pues se trata de una historia que conmueve a todos aquellos que tienen familiares en sus respectivos países, y los extrañan y quisieran tenerlos cerca.

A nivel personal, por fin me da gusto ver una película mexicana con mensaje que no es pesimista, como las últimas que he reseñado. Aunque por momentos pareciera ingenua respecto a las posibilidades de que un niño de 9 años llegue sólo a los Ángeles, La Misma Luna no ignora los peligros de la realidad ni la evade, por el contrario, por momentos la afronta con valor, lo que sucede es que coloca las suficientes casualidades para que las cosas se den.

A ratos lenta y completamente predecible, La Misma Luna no deja de ser una buena película, conmovedora y entretenida. Bien vale la pena.

La Zona (2007)

Si La Zona se llamase The Zone y tuviera protagonistas gringos, seguro sería un éxito moderado en taquilla. Al ser producto nacional, está peleando por un lugar en el gusto del público.

Título: La Zona

Año: 2007

País: México

Director: Rodrigo Plá

Reparto: Daniel Giménez Cacho, Maribel Verdú, Carlos Bardem, Daniel Tovar

Y es que, sin ser perfecta, La Zona tiene muy buenos niveles de producción, una dirección correcta, y actuaciones muy naturales, que hacen de la película un buen producto para pasar el rato. Como muchas películas gringas que vemos constantemente. Un gran logro para un cineasta novel.

La Zona es una colonia residencial en la Ciudad de México que está aislada del resto de la ciudad. Nadie puede entrar sin permiso. Un accidente permite a 3 ladronzuelos colarse a robar. Los vecinos de La Zona deciden arreglar el asunto a su manera.

El suspenso y el drama están bien manejados, y como decía, las actuaciones resultan muy naturales, por lo que no es difícil creer todo lo que sucede en la trama. Sobresale la presencia de los actores españoles, Maribel Verdú y Carlos Bardem, que hacen un excelente trabajo. La fotografía, edición y el manejo de cámaras son impecables, y las situaciones y diálogos, salvo algunos pequeños detalles, están bien trabajados. Toda una lección para quienes elogiaron Km 31, que está bien producida, pero llena de hoyos argumentales y escenas absurdas.

El pero más grande de La Zona es, como ya me quejaba yo en otra ocasión, su pesimismo. La película pretende ser una reflexión sobre los extremos que está tomando la gente ante la inseguridad e impunidad en el país. Pero todas las lecciones que vienen de nuestro cine tienen que ser obscuras. Nadie ve una luz o una salida. Y La Zona casi casi termina justificando aquello que empezó criticando. Y así, en vez de quedarnos con una buena película de suspenso, nos quedamos con un dramón pesimista típico del cine mexicano.

Aún así, es rescatable el buen intento por hacer un cine interesante, más allá de las comedias super-ligeras o con niveles de producción de telenovela, o esperar a la siguiente joya del cine que gane festivales. Necesitamos producir en nuestro país un cine comercial de buen nivel.

Vale la pena ver La Zona por ello, y también para que todos los capitalinos (por enésima vez) nos veamos reflejados de alguna manera.

Luz Silenciosa (2007)

Mañana 25 de Marzo de 2008 se entregan los Arieles a lo mejor del cine mexicano. Una de las favoritas para ser la gran ganadora es esta película, así que aprovecho para comentarla.

Título: Luz Silenciosa

Año: 2007

País: México

Director: Carlos Reygadas

El cine de Reygadas resulta muy controversial. Mientras hay quienes lo consideran genial, hay quienes lo consideran malo e insoportable. O lo amas o lo odias, pero no pasa desapercibido. Y eso es bueno para nuestro cine.

Luz Silenciosa nos muestra la vida de una familia menonita en el norte de México, cuando Johan, jefe de la familia, se enamora de una mujer que no es su esposa.

Filmada en el dialecto alemán propio de estas gentes, la anécdota es muy sencilla, y así lo es la narración y el ritmo de la película. Muchos aseguran que el cine es para contar historias, pero en realidad tuvo sus orígenes en la presentación de imágenes. Algo así como una fotografía o pintura en movimiento. Y eso es lo que yo veo en el trabajo de Reygadas.

Te podrá o no agradar, lo encontrarás aburrido o no, pero no podemos negar que Reygadas tiene muy buen ojo para las imágenes. Hay escenas, tomas , cuadros y enfoques de verdad hermosos. Toda la película es un cuadro en movimiento para disfrutar.

A lo mejor esta comparación es mala, pero es la que me viene a la mente: Luz Silenciosa por momentos se mueve como esas películas caseras en las que sólo el que la filmó sabe qué estaba viendo y porqué tardó tanto tiempo tomando eso en particular. Porqué filmó el camino, el espejo, la mesa durante minutos enteros. La diferencia radica que mientras nuestras películas si son insulsas y aburridas, en esta ocasión el que filma sabe lo que hace, por lo que le quedó bonito, bien, como a todos nos gustaría que nos quedaran nuestras películas.

Luz Silenciosa pretendía ser nominada al Oscar y al Goya representando a México. Lamentablemente los gringos no tienen la sensibilidad de los europeos y los asiáticos, y este año hubo otros trabajos interesantes y más comerciales. Ya veremos como le va en el Ariel.

Muy lenta y reflexiva, definitivamente no es para todos los gustos, o más bien hay que estar de humor para verla. Sin embargo, vale la pena, sobre todo para quienes gustan de la fotografía y la contemplación. Pasarán un rato agradable.

Los Inquebrantables (2008)

De entrada, no quiero tocar el tema del título en español porque no quiero hacer corajes. Más patéticos no podríamos estar. Así que de aquí en adelante me referiré a esta película por su título correcto: El Sueño de Casandra.

Aunque impecablemente dirigida y con buenas actuaciones, El Sueño de Casandra es una película repetitiva y sin mucho sentido, alejada de las grandes ideas de Woody Allen.

Título: Los Inquebrantables (Cassandra's Dream)

Año: 2008

País: Gran Bretaña

Director: Woody Allen

Reparto: Ewan McGregor, Colin Farrell, Tom Wilkinson, Hayley Atwell, Sally Hawkins

El Sueño de Casandra es el nombre de un bote que los hermanos Ian y Terry compran con todos sus ahorros. Al meterse en problemas financieros son convencidos de participar en un crimen, poniendo en riesgo todo lo que tienen.

El principal problema con la película es la historia. El guión tiene los estupendos diálogos, situaciones de comedia involuntaria e inteligencia que acostumbra Allen, pero también tiene montones de escenas que son repeticiones de escenas anteriores, por momentos la historia no avanza, y aunque trata de poner un final inesperado, a esas alturas es difícil sorprenderse o interesarse.

Para colmo, los temas que trata la película (el crimen, la responsabilidad de tus actos, la lealtad a la familia) ya fueron tocados por Allen en Match Point y otras películas, por lo que El Sueño de Casandra representa, si no un paso atrás para el director, sí una referencia innecesaria.

Los actores cumplen con lo necesario, sin ir más allá. Se nota que se sienten cómodos con los diálogos de Woody Allen. En particular sobresale Collin Farrell, en un papel más vulnerable de los que acostumbra.

Una película bien hecha, pero sin chiste, que ni siquiera agradará a los fans de Allen, McGregor o Farrell. Tendremos que esperar a Vicky Cristina Barcelona por el esperado regreso del maestro Allen.

Dos Abrazos (2007)

Muy buena película mexicana que sufrió de una mala distribución, a pesar de haber obtenido varios reconocimientos, entre ellos, el premio revelación del Festival Tribeca de Nueva York.

Título: Dos Abrazos

Año: 2007

País: México

Director: Enrique Begné

Reparto: Ximena Sariñana, Jorge Zárate, Giovanni Florido, Maya Zapata

Dos Abrazos trata de dos historias con un punto en común. Un adolescente de secundaria que se enamora de una joven cajera y un taxista que se relaciona con la hija de uno de sus clientes. Personajes desconectados que encuentran en su forzada relación un medio para trascender sus existencias.

Enrique Begné hace un buen trabajo de dirección, con un buen manejo de las imágenes y, sin necesidad de recurrir a los diálogos dice mucho a través de sus actores. Sin necesariamente tener un estilo marcado, el uso de diversas técnicas (cámara lenta, planos largos, modificaciones de color) le brinda a la película un sabor especial. El elenco cumple a cabalidad y reafirma unas carreras ascendentes. En particular es bueno ver a Jorge Zárate (el famoso "Tiburón" de La Ley de Herodes) en un papel más central y a Ximena Sariñana sin el soporte de otras actrices jóvenes.

Creo que el único problema con la película es uno que se repite mucho en nuestro cine: toda historia que tenga un mensaje tiene que pasar por un drama fuerte, grande o profundo. Los protagonistas de Dos Abrazos no son personas comunes, sino personas con perfiles antisociales muy marcados, y sus vidas están llenas de drama y sufrimiento. ¿Porqué siempre tenemos que sufrir y deprimirnos para recibir un mensaje de esperanza al ver cine nacional?.

No me malentiendan. Ambas historias son bonitas y bien llevadas, pero al ser tristes y dramáticas, el ritmo es lento, el sufrimiento prolongado, y la recompensa pequeña. El sabor de boca es bueno, pero no tan bueno.

Lo que sí, es que Dos Abrazos es mucho más recomendable que muchos de los bodrios hollywoodenses que abarrotan los estantes de los videoclubes. No lo duden, réntenla.

Promesas Peligrosas (2007)

Siguiendo a Una Historia Violenta, el veterano cineasta canadiense nos muestra su capacidad de hacer películas accesibles a todo el público sin dejar de ser inteligente y puntual, y de paso nos entrega una excelente película sobre la mafia.

Título: Promesas Peligrosas (Eastern Promises)

Año: 2007

País: Canada

Director: David Cronenberg

Reparto: Viggo Mortensen, Naomi Watts, Vincent Cassel, Armin Mueller-Stahl

Promesas Peligrosas nos presenta la historia de Anna, médico de un hospital londinense, que atiende a una adolescente embarazada que pierde la vida dando a luz. Sin ninguna identificación más que un diario escrito en ruso, Anna visita un restaurante donde supone trabajaba la chica, sólo para encontrarse inmiscuida en las vory v zakone, o la mafia rusa.

Para empezar, nuevamente me voy a quejar del título en español: ¿Promesas Peligrosas?. Qué tiene que ver eso con nada. El título original, Promesas del Este, tiene mucho que ver con mafia rusa en Londres, es una forma poética de ver la vida criminal en otro lugar, lejos de tu patria. Lo de "peligrosas" no viene al caso mas que para vender boletos o confundir a la gente.

Cronenberg es un extraordinario director, y ésta película tiene su sello personal en la forma de mover la cámara, y la forma tan directa de abordar las escenas de violencia e intensidad dramática. Como siempre, el peso más grande de la película está en los protagonistas, y estos no decepcionan.

Si bien Naomi Watts y Vincent Cassel hacen papeles decentes, muy parecidos a sus trabajos anteriores, sobresalen Viggo Mortensen y Mueller-Stahl. Viggo es un actor entregado, y realizó una investigación y preparación profunda para este papel, logrando alejarse de su anterior trabajo con Cronenberg en Una Historia Violenta, y mucho más de Alatriste y El Señor de los Anillos. Su interpretación del enigmático y violento Nikkolai resulta muy atrayente y es la que hace que el interés se mantenga durante todo el filme. El sujeto se dice chofer, pero hay algo más en él de lo que suponemos. Merecida su inclusión en la terna por el Oscar. Por otro lado, el siempre confiable Mueller-Stahl, como el "padrino" de la mafia rusa resulta inquietante e imponente. Su voz y su presencia bastan para infundir temor. No le pide nada a los Brando, DeNiro o Gandolfini que hemos visto de la mafia italiana.

El único pero que le pongo a la película (y es un pero muy grande) es el giro que sucede al final. Creo que era innecesario y le resta mucha fuerza tanto al personaje principal como a todo el final de la historia. Sin ese giro argumental estaríamos hablando de un peliculón. Ya incluido, se trata de una buena película con un final débil.

Promesas Peligrosas es una excelente opción para los fans de los filmes sobre las mafias e historias de violencia, y sobretodo para los fans de Mortensen, que podrán apreciar una impactante actuación, sobretodo las mujeres, ya que el buen Nikkolai se pelea con un par de sujetos en unos baños de vapor completamente desnudo.

Sin Lugar para Los Débiles (2007)

Excelente película, impecable en todos los sentidos, y que a través de una cacería humana hace una reflexión sobre la violencia que se ha apoderado de la sociedad.

Título: Sin Lugar para Los Débiles (No Country for Old Men)

Año: 2007

País: Estados Unidos

Director: Joel y Ethan Cohen

Reparto: Josh Brolin, Javier Bardem, Tommy Lee Jones, Woody Harrelson

Llewelyn Moss (Brolin) está cazando en el desierto de Texas cuando descubre varios vehículos abandonados, cuerpos baleados y 2 millones de dólares. Moss decide quedarse con el dinero, sólo para verse perseguido por narcotraficantes mexicanos, Carson Wells (Harrelson) un agente de un poderoso cartel y Antón Chigurh (Bardem), un implacable asesino con una pistola para ganado y una peligrosa filosofía sobre la justicia. También en su busca encontramos al Sheriff Bell (Lee Jones), un policía que poco a poco se va convenciendo que no es rival para el nuevo tipo de mal que encarna Chigurh.

Los hermanos Cohen nos entregan una película un tanto más digerible y entretenida que varios de sus últimos esfuerzos, pero sin salirse de la línea que los caracteriza. Un guión bien redondeado, basado casi al dedillo en la novela de Cormac McCarthy, y que aún así se soporta principalmente por las actuaciones, lo cuál habla de un excelente trabajo de dirección, y da un equilibrio a toda la película.

No he leído la novela, pero tengo entendido que los Cohen se ajustaron tanto en ella, que incluso las escenas de acción están tomadas de las descripciones exactas de McCarthy, y que el último diálogo de la película corresponde a la última página del libro. Siendo así, la naturaleza del libro deberá conservarse en el filme.

Lo que sí es un hecho es que si los actores hubiesen sido otros, o su trabajo hubiese sido malo, la película sería muy aburrida o simplemente nada creíble. Es gracias a las caracterizaciones, a que los actores dan vida a sus personajes, que la película llega a atraparnos. Tanto Josh Brolin como Tommy Lee Jones están m